© Takeshi Asano-KYOTOGRAPHIE 2019-2020
新進作家から巨匠まで、私たちを新たな境地へと誘う国内外のアーティストの作品やコレクションを2週間ごとに展示します。
イベントやワークショップ、各第一人者を迎えた学びの場「KYOTOGRAPHIEアカデミー」も開催。
また芸術大学や教育機関とコラボレーションし、学生によるキュレーションの展示を開催するなど、DELTAは若手の育成にも力を注ぎます。
さまざまな発信を続ける、文化的かつ実験的な土壌を育むスペースです。
Every two weeks, DELTA will exhibit works and collections by Japanese and international artists, from emerging to established, who beckon us to explore new frontiers.
We will also conduct KYOTOGRAPHIE Academie, consisting of events, workshops, and educational programs taught by leading figures in their fields.

In collaboration with art school and universities, DELTA will also focus on cultivating the ideas of the next generation, holding exhibitions created and curated by students.

DELTA adopts a multifaceted approach and is open to new ideas, collaborations and project proposals.

展示企画募集 | Open Call for Exhibition Submissions

2021.2.26 ー 4.6

キョウトグラフィー セノグラフィー
KYOTOGRAPHIE SCÉNOGRAPHIE

今年で9回目となるKYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭は、世界屈指の文化芸術都市・京都を舞台に毎春開催される、日本でも数少ない国際的な写真祭です。本写真祭を企画する上で最も重要な要素の一つが、趣のある歴史的建造物やモダンな近現代建築の空間が持つアイデンティティーを最大限に活用した展示空間デザイン(セノグラフィーデザイン)と言えます。

本展では、この「セノグラフィーデザイン」の認識を広げ、展示空間づくりにおけるデザインの重要性や、印象的な体験型エキシビションとしていかに成立させてきたかなどを紹介いたします。これまで写真祭の展示空間をKYOTOGRAPHIE と共に作り上げてきた空間デザイナーの小西啓睦と建築家の遠藤克彦に焦点を当て、両氏による展示空間の制作過程を2期に分けて展示いたします。

小西啓睦展(2月26日 ー 3月16日)では、2014年の第2回 KYOTOGRAPHIE の西野壮平「Diorama Map」から2020年のマリー・リエス「二つの世界を繋ぐ橋の物語」まで、展示の空間構成のプロセスやアーカイブを時間軸に沿って紹介いたします。遠藤克彦展(3月20日 ー 4月6日)では、2019年のアルフレート・エールハルト「自然の形態美ーバウハウス100周年記念展」と2020年のウィン・シャ「一光諸影」を中心に、展示の空間デザイン過程に欠かせない設計図や模型を初公開いたします。

本展を通して「セノグラフィーデザイン」への理解が深まり、展示会場としての建築空間と写真作品との融和性、そして多種多様な空間デザインの可能性を楽しんていただけたら幸いです。なお今回の KYOTOGRAPHIE 2021では、新たな試みとして、写真祭開催期間中に設置される「KYOTOGRAPHIEインフォメー ションセンター」のセノグラフィーデザインのコンペを開催いたします。募集要項など詳細はホームページにて公開します。

*本展は「BASE(Bank for Art Support Encounter)」の活動に向けたプレ事業「KYOTO BASEd」の一環として行われます。「BASE」とは、2020年7月に京都の現代芸術の創造発信拠点として活動する5つの団体(「DELTA / KYOTOGRAPHIE Permanent Space」「kumagusuku」「THEATRE E9 KYOTO」「出町座」「CLUB METRO」)と「京都信用金庫」とともに立ち上げられました。ホームページ:https://kyoto-base-d.info/

*会期変更のお知らせ:
変更前:2021年2月26日 ー 3月30日
変更後:2021年2月26日 ー 4月6日まで 会期延長
Each year in spring, KYOTOGRAPHIE takes place in Kyoto, one of the world’s leading cities of art and culture. It is one of only several international photography festivals around the world. What distinguishes KYOTOGRAPHIE from similar events is its focus on “scenography” — using spatial design to utilize the individual identities of each exhibition space, whether they are based in historical buildings or contemporary architecture.

This exhibition aims to deepen the understanding of scenographic design by introducing how spatial design is used to create impressive artistic experiences. Split into two exhibition periods, we focus on space designer Hiromitsu Kinonishi and architect Katsuhiko Endo, who have been collaborating with KYOTOGRAPHIE for years, and will showcase the processes behind some of their scenographic designs.

The Hiromitsu Konishi exhibition (February 26 ー March 16, 2021) looks back at Konishi’s scenographies, from the Sohei Nishino exhibition “Diorama Map” at the second edition of KYOTOGRAPHIE in 2014 to last year’s Marie Liesse exhibition “Story of a Bridge Between Two Worlds”, and offers a look at the processes of spatial design as well as a chronological archive.

The Katsuhiko Endo exhibition (March 20 ー April 6, 2021) focuses on 2019’s Alfred Ehrhardt exhibition “The Forms of Nature ― 100 Years Bauhaus” as well as the Wing Shya exhibition “One Light, Different Reflections” in 2020 and features previously unseen design plans and mockups used during the creation of his scenographies.

We hope that these exhibitions allow visitors to experience the manifold possibilities emerging from the interplay between photography and architecture, and help deepen the understanding of scenographic design.

Additionally, for this year’s KYOTOGRAPHIE 2021 we are holding a competition calling for a scenographic design for the “KYOTOGRAPHIE Information Center” that is set up during the festival. More information regarding the competition will be released soon on the official website.

*This exhibition is part of KYOTO BASEd, a preview project organized by BASE (Bank for Art Support Encounter). BASE was established in July 2020 as a collaboration between Kyoto Shinkin Bank and five Kyoto-based organizations that create and promote contemporary art in Kyoto (DELTA / KYOTOGRAPHIE Permanent Space, kumagusuku, THEATRE E9 KYOTO, Demachiza, CLUB METRO). Homepage: https://kyoto-base-d.info/

*Notice of Date Changes for Exhibition
Original Dates: February 26 ー March 30, 2021
New Dates: February 26 ー April 6, 2021

小西啓睦|miso代表
Hiromitsu Konishi | miso

1978年生まれ。パーソンズ・スクール・オブ・デザインでインテリアデザインを学んだ後、ニューヨークの建築事務所、日本のインテリア事務所に勤務し、世界の様々な空間デザインに携わる。2010年より京都にて空間デザインを軸に家具設計やインスタレーションを行う「miso」を立ち上げる。プロジェクトごとに様々なジャンルのデザイナーや職人とコラボレーションを行い、空間を通して日本の素晴らしい美意識と技術を世界に伝える。主な展示会場の設計には、KYOTOGRAPHIE 2020 マリー・リエス「二つの世界を繋ぐ橋の物語」、KYOTOGRAPHIE 2019 ヴィック・ムニーズ「Shared Roots」やKYOTOGRAPHIE 2018 ローレン・グリーンフィールド「GENERATION WEALTH」など。
Born in 1978. After studying interior design at the Parsons School of Design, Konishi worked at architecture offices in New York and interior design offices in Japan and was involved in various spatial design projects around the world. In 2010, Konishi founded miso and began creating installations and furniture with a focus on spatial design. Through collaborations with designers and artisans, miso aims to use spatial design to convey Japanese aesthetic sensibilities and techniques. Konishi’s major scenography designs for exhibitions include the Marie Liesse exhibition “Story of a Bridge between Two Worlds” at KYOTOGRAPHIE 2020, Vik Muniz “Shared Roots” exhibition at KYOTOGRAPHIE 2019, Lauren Greenfield’s exhibition “Generation Wealth” at KYOTOGRAPHIE 2018, and many more.

遠藤克彦|遠藤克彦建築研究所 代表
Katsuhiko Endo | Endo Architect and Associates

1970年生まれ。1992年武蔵工業大学(現・東京都市大学)工学部建築学科卒業。1995年東京大学大学院工学系研究科建築学専攻修士課程修了。1997年事務所設立。2017年に、「大阪新美術館(※正式名称は 2018年に「大阪中之島美術館」と決定)」の設計競技最優秀作に選定される。進行中の設計プロジェクトに「長崎県佐々町新庁舎」「高知県本山町新庁舎」「茨城県大子町新庁舎」などがある。「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭」では、2019年より展示セノグラフィーのデザインを担当。
Born in 1970, Endo graduated from the Department of Architecture at the Faculty of Engineering of Musashi Institute of Technology (now Tokyo City University) in 1992, then obtained a master’s degree in architecture from the Graduate School of Engineering at the University of Tokyo in 1995. In 1997, he established Endo Architect and Associates. Katsuhiko Endo has won the best design competition of the Osaka New Museum in 2017 (now renamed to Osaka Nakanoshima Museum). Ongoing design projects include the new town hall in Sasa in Nagasaki Prefecture, the new town hall in Motoyama in Kochi Prefecture, the new town hall in Oko in Ibaraki Prefecture, and others. In 2019, Katsuhiko Endo began collaborating with KYOTOGRAPHIE as a scenography designer.

2021.1.22ー2021.2.2

吉野央子、鈴木健太郎|Ohji Yoshino, Kentaro Suzuki

「千客万来―人と魚、道と繋がりと」
"A Thousand Guests, a Million Fish: People, the Sea, and the Road Between”

出町柳は、福井県の若狭湾から京へと続く鯖街道の終着点です。鯖街道は単に魚や物資を輸送する経路ではなく、古くから人々が交流し、文化も運ぶ道でした。この出町柳の桝形商店街中ほどに建つDELTA / KYO-TOGRAPHIE Permanent Spaceはかつて魚屋があった場所です。人と人の直接的な交流が希薄になりつつある現代、この場所の記憶とともに、「人」「魚」の営みをそれぞれの視点と技法で表現する鈴木健太郎と吉野央子の作品を通じて、時代を超えた人と物資の移動や文化と風習の交流が育んできた「繋がり」を見つめなおしたいと思います。

*本展は、キュレーションを実践的に学ぶ京都精華大学芸術学部の授業「現代アートプロジェクト演習4」の受講生が企画・運営するものです。
Demachiyanagi is the final point on the “Saba-Kaido” trade route that reaches from Wakasa Bay in Fu-kui Prefecture all the way to Kyoto. The Saba Kaido was more than a transport route for fish and other goods; it was a place of exchange between people and local cultures. The DELTA / KYOTOGRAPHIE Permanent Space is located in the middle of Demachiyanagi’s Masugata Shopping Arcade, and in the past, a fish dealer used to occupy this place. In the current times and the limitations they bring for inter-personal exchange, we would like to use the memories bound to this special place and re-examine the timeless connections formed by the flux of people and goods through the works of Kentaro Suzuki and Ohji Yoshino, who each engage the topics of people and fish from their own perspective and with their artistic methods.

*This exhibition has been planned and organized by students of the Kyoto Seika University Faculty of Art’s practical curation program “Contemporary Art Project 4”.

吉野央子
Ohji Yoshino

1964年鹿児島県生まれ。京都精華大学美術学部造形学科立体造形分野卒業。京都精華大学芸術学部教授。木彫を中心としたインスタレーション作品を主に発表。近年は、各地での芸術祭に多数参加し、場所性を重視した作品を展開。自然循環をベースとした農業や漁業、人の暮らしと地域、人と自然の共存のありかたを問う作品を手がけている。主な展覧会は、「大地の芸術祭 越後妻有アートトリエンナーレ」(2018/2015/2009、新潟)、「奥能登国際芸術祭」(2017、石川)、「三越伊勢丹×瀬戸内国際芸術祭コラボエキシビジョン」(2016、伊勢丹新宿店/東京)、「OAP彫刻の小径2015 外磯秀紹+吉野央子展」(2015、天満橋OAP公開緑地内/大阪)、「OPEN FIELD – SEOUL KYOTO」(2015、弘益大学美術館/ソウル)、「瀬戸内国際芸術祭」 (2013、香川)。
Born in Kagoshima, Japan, in 1964. Graduated from the Faculty of Arts, Kyoto Seika University. Profes-sor, Faculty of Art, Kyoto Seika University. Yoshino focuses on installations created using wood carv-ings. He has participated in various art festivals in different regions in recent years and exhibited works with an emphasis on location. His work examines fishing, agriculture and other industries based on natu-ral cycles, as well as regions, people’s lives, and ways for humanity to co-exist with nature. Major exhibi-tions include the Echigo-Tsumari Art Triennale (2018/2015/2009, Karekimata, Niigata), Oku-Noto Trien-nale (2017, Suzu, Ishikawa), “Setouchi Triennale 2016×Isetan Mitsukoshi Collaborative Exhibition” (2016, Isetan Shinjuku, Tokyo), “OAP Sculpture Path: Hidetsugu Tonoiso + Ohji Yoshino” (2015, OAP Tower Public Park, Osaka), “OPEN FIELD-SEOUL KYOTO” (2015, Hongik University Museum, Seoul, Korea), and the Setouchi Triennale (2013, Takamijima, Kagawa).

鈴木健太郎
Kentaro Suzuki

1996年京都府生まれ。京都精華大学大学院芸術研究科博士前期課程日本画専攻2年生。寺社仏閣に貼られた千社札に関心を持ち、それをモチーフとした日本画やサイアノタイプ(日光で露光する写真技法)によるインスタレーションを制作。人々の想いや行為の集積、「信仰」「時間」といった目に見えない概念を浮かび上がらせる。主な展覧会は、「鈴木健太郎 個展-TRACE-」(2020、ギャラリーマロニエ/京都)、「創造的ドローイング展」(2020、京都精華大学 春秋館/京都)、「第33回京都芸術祭 美術部門 国際交流総合展」(2019、京都市美術館別館/京都)、「第5回石本正日本画大賞展(入選)」(2019、浜田市立石正美術館/島根)、「第2回新日春展(入選)」(2018、東京都美術館/東京、京都市美術館別館/京都)、「積層」(2017、アートギャラリー北野/京都)。
Born in Kyoto, Japan, in 1996. Currently enrolled in MA Program, Graduate School, Faculty of Art, Kyoto Seika University. Driven by his interest in the “senjafuda” placards posted outside Japanese temples and shrines, Suzuki has used them as motifs for his Japanese paintings and cyanotype installations (a photographic technique that exposes using sunlight). In his art, invisible concepts like faith and time, as well as people’s accumulated actions and thoughts, emerge to the surface. Major exhibitions: “Kentaro Suzuki Solo Exhibition -TRACE-” (2020, Gallery Maronie, Kyoto), “Creative Drawing” (2020, Shunju-kan, Kyoto Seika University), “International Exhibition of Art, The 33rd Kyoto Art Festival, Field of Art” (2019, Kyoto City Museum of Art Annex), “The 5th Tadashi Ishimoto Japanese Painting Award Exhibition” (2019, Sekisho Art Museum, Shimane), “The 2nd Shin-Nisshun Exhibition” (2018, Tokyo Metropolitan Art Museum, Kyoto City Museum of Art Annex), “Layer”, (2017, Art Gallery Kitano, Kyoto).

2021.1.8ー2021.1.19

楠本涼|Ryo Kusumoto
「連師子」
“Renjishi"

©︎ Ryo Kusumoto
本作は、他者と愛情や芸を授受する難しさや曖昧さ、そして道を切り開くたくましさを表現した物語。ある日本舞踊家の人生を演目「連獅子」に見立てることで、葛藤を繰り返してきた内面世界の奥底まで光をあてて表現している。
主人公のやまとふみこさんは、戦後舞踊界が最も栄えた時代に最前線で活躍し、70代後半になった今も現役の舞踊家だ。一般的な女性としての生き方も、尊敬される流派も、表舞台での活躍すらも、全てを捨てた道程は、他の日本舞踊家と大きく異なる。
演目「連獅子」は、中国の伝説「親獅子が子獅子を谷底へ突き落とし、崖を駆け上がる様を見守る」に由来する。これが日本に伝来し、能や歌舞伎、そして日本舞踊など独自の文化の中で発展させた。
楠本が取材中に出会った一枚の写真。そこには幼少期の彼女の全身をえぐるように開けられた虫食いの穴があり、愛情への飢えに苦しんだ当時の彼女を雄弁に語っているようだった。
白色が親獅子、赤色が子獅子。
複写・コラージュ・再現・連想喚起など写真の持つ様々な特性を利用しながら見せる、愛しくも尊い一幕を、どうぞご観賞下さい。
This work presents a story about the ambiguity and difficulty of loving and being loved, and about the resilience required to forge one’s own path. Likening the life of a Japanese buyo dancer to the famous Kabuki play "Renjishi," Ryo Kusumoto illuminates the inner world of an artist who has had to overcome repeated struggles in her life.

Fumiko Yamato, the protagonist of Kusumoto’s story, belongs to the avant-garde of a generation of dancers that bloomed in postwar Japan. Still today, in her late 70s, Yamato continues to dance. Her journey is different from that of other dancers in Japan. She has given up everything to pursue her path: her life as an ordinary woman, her place in a prestigious dance group, and even her life on the stage.

The play “Renjishi” is based on an old Chinese legend: A lion tests the strength of its adolescent cub by throwing it down a ravine and observing anxiously if it has the strength to climb back up. The tale be-came popular in Japan, where it flourished as part of a unique cultural environment and was adopted into Noh and Kabuki plays and into Japanese dance.

During his research, Kusumoto came upon one particular photograph. It shows Yamato as a child, her entire body consumed by a hole eaten into the photograph by bugs—a poetic expression of Yamato’s starving for affection at the time.

White the father, crimson the cub.

We hope you enjoy this affectionate and precious single-act play, created through various photographic techniques such as duplication, collage, reproduction and association.

楠本涼
Ryo Kusumoto

1982年徳島県生まれ。徳島大学大学院工学修士課程修了。2010年にソウル・フォトフェスティバル(韓国)で「merging borders」と「surround」を発表。2011年に写真業で独立。2014年に「貌-bow-」が第15回上野彦馬賞入選し、東京芸術劇場等を巡回。2016年に「釈尊の声」を京都の建仁寺塔頭両足院で発表。2017年に「もうひとつの連獅子」で第13回名取洋之助写真賞奨励賞を受賞。初のアーティストブックである「連師子」は、2018年にUnseen(オランダ)、2019年にcosmos pdf award(フランス)、Fiebre Photobook Award(スペイン)、2020年にSIPF Photo Book Open call(シンガポール)でそれぞれショートリストにノミネートされた。完全手製本の68部限定で発売されたこの本は、現在、Musée de l’Elysée(スイス)などでコレクション所蔵されている。
Born in 1982, Tokushima, Kusumoto studied Biotechnology at the graduated school of Tokushima Uni-versity. In 2010, he exhibited his work “merging borders” and “surround” during the Seoul photo festival. Since 2011, he has been working as an independent photographer. In 2014, he got selected awards of The 15th Hikoma Ueno award, and his work “bow” was exhibited in Tokyo Metropolitan Theatre and so on. In 2016, he exhibited “voice of Shakuson”, about a traditional ink painter, in the Ryosoku-in, sub-temple within the grounds of Kennin-ji temple in Kyoto. In 2017, he was awarded the 2nd prize of the Yonosuke Natori photo award sponsored by Japan professional photographers society. His 1st artist book “Renjishi” was entirely made by him, and has been sold in 68 editions. It was shortlisted for the Unseen dummy award 2018, cosmos pdf award 2019, Fiebre dummy award 2019 and SIPF Photo Book Open call 2020. Some of them are now collected in the Musée de l’Elysée/Switzerland and so on.

2020.12.18ー2020.12.29

K-NARF & SHOKO
「PHOTOGRAFFITI」

©︎ K-NARF
何気ない日常の風景を独創的な視点で記録写真にし、その中にある美しさを再びストリートアートや平面作品として描き出す日仏アーティストデュオ、K-NARF & SHOKO。
今回はK-NARFが2011年に発表したトラックシリーズを中心に日本で初めて展示します。Tape-o-graphという独自の手法を用いたこのシリーズは、トラックのグラフィティの荒々しさと呼応するように、画像の一部を剥がし取り、パリの風景とトラックに新しく自由な見方を提示してくれます。

約10年前、フランス人アーティストK-NARFはシンガポールに住んでいました。彼は最も清潔な街の一つシンガポールと、それとは対照的とも言えるパリの間を頻繁に行き来する中で、それぞれの環境の違いに大きな衝撃を受けました。特にパリでよく見かける配達用トラックに施された鮮やかなグラフィティに目を奪われました。彼はそれらグラフィティを記録し、多くの写真を撮りました。トラックのグラフィティは、一時は非常に流行し、フランスの首都のいたるところにありました。汚れ一つない白いトラックを見ることはめったになく、政府はこの行為を止めさせるためグラフィティアーティストに対して非常に厳しい対応を取りました。
パリの多くの人々(特にトラックの所有者)は、このアートフォーム(=表現の形)を嫌っていましたが、K-NARFはトラックを別の視点から眺め、街なかの美しいアートエキシビションとして考えるようになりました。同じように、視点を変えるとハト(これもパリのいたるところに居て、嫌われている)は美しい鳥として見ることができます。
当時、K-NARFはストリートフォトを再解釈した作品であるPHOTOGRAFFITIを、ストリートアートとして発表していました。パリ、ニューヨーク、ミラノ、シンガポールで展示されましたが、日本では初展示となるこのグラフィティ・トラックシリーズには彼独自の写真加工技術が使われています。
日本でグラフィティは固く禁じられている為、会場では来場者が実際に配達用トラック(パリの実際のトラックよりは少し小さいですが)に好きなグラフィティを施せるようにトミカトラックを用意しました。
K-NARF & SHOKO are a French-Japanese artist duo who capture ordinary everyday life from creative viewpoints and bring out its inherent beauty in street art and two-dimensional artworks.

This exhibition presents for the first time in Japan K-NARF’s 2011 series on graffiti trucks. Using his very own technique called Tape-o-graph, K-NARF mirrors the ruggedness of the graffitied trucks by tearing away parts of the image, and presents a new, free way looking at Paris’ cityscape and its trucks.

About ten years ago, French artist K-NARF was living in Singapore. Travelling between Paris and Singapore, one of the cleanest cities in the world, the difference between the environments was a big shock for the artist. He was especially amazed by delivery trucks fully covered in graffiti in Paris. He started to document the trucks in countless photos.

Graffitiing trucks became a very big trend, and at one point they were everywhere in the French capital – it was even rare to see an immaculate white truck. Then the government decided to stop it and the police became tough on graffiti artists.

Most Parisians (especially truck owners!) disliked this art form. K-NARF looked at the trucks with a different perspective and considered them as beautiful city art exhibitions – the same way pigeons (also disliked and found everywhere in Paris) can be seen as beautiful birds.

At the same time, K-NARF was practicing street art with his PHOTOGRAFFITI, his contemporary version of traditional street photography. He used a special technique to transfer this graffiti truck series onto paper and exhibited it in Paris, New York, Milan and Singapore – but never in Japan.

While graffiti is strictly prohibited in Japan, we invite you to freely practice this art form on real Japanese delivery trucks at the exhibition: Tomica trucks … they are slightly smaller than the ones in Paris, but have fun!

アーティストデュオ K-NARF & SHOKO
Artist-duo K-NARF & SHOKO

K-NARF & SHOKOは日々の生活の中にある何の変哲も無いSuper-Ordinaryなものを、アート作品にすることで日常を超えたExtra-Ordinaryな視覚的記録として作り変え、未来へと残している。 彼らは写真に対する遊び心を持って、想像と現実、過去と未来の間を行き来するユニークな世界をつくりあげる。
彼らのプロジェクトは、K-NARFが10年前に発明した唯一無二の写真技法であるTape-o-graphに基づいて、スタジオでほぼ100%手作りされている。
主に100円ショップ、ホームセンター、または文房具店から調達された日常生活で使われる道具や素材を使って、現代写真に対して革新的でネオアナログなアプローチを試みている。
2016年からHATARAKIMONO PROJECTをきっかけにアーティストデュオとして活動を開始し、国内外で展示を行なっている。
K-NARF & SHOKO transforms the super-ordinary of the everyday life into an Extra-Ordinary visual archive for the future. The artist-duo keeps a playful approach to photography to create a unique world halfway in between imaginary and reality, past and future.
Based on K-NARF’s singular tape-o-graphic processing method he invented 10 years ago, their projects are self-produced and most of the time 100% hand-made at their studio. Using ordinary tools and materials mostly sourced in ¥100 stores, DIY or office supply shops, their work generates an innovative neo-analog approach to contemporary photography.
They started working together in 2016 with the “HATARAKIMONO PROJECT”. Their work has been exhibited in Japan and overseas.

2020.12.4ー2020.12.15

セバスチャン・レゼー
Sébastien Raizer
「HACHIMONJIYA LIVING SOULS」

生ける道具が 死せる道具に 結びつく
神経は暴走 アルゴリズムは模倣
黒い鉄の狂気の館
どこでもない NOWHERE

いま ここで  NOW HERE:
常に浮遊する世界において、人間は魂で結びつき、多数の言語を踊る。すべての言語は、自由かつ無限に、等しく明暗を分け、救済と危機を与え、未来を創出する ー アートはその分点のありえない時空。

これはペイエンの密かな挑戦でもあったと私は思う。彼女は八文字屋を見つけて、こう言った。

「ここで踊る!」

私は彼女の力を直観した。彼女なら、この場所の生ける魂、それらの記憶、歴史、感情を引き出し、読み取り、体現することができるはずだ。

そして、作家、写真家、そして八文字屋のオーナーである甲斐扶佐義氏は、躊躇することなくプロジェクトに賛同してくれた。

アーティストとしてペイエン は言葉と生命のさまざまな領域を結びつける。

私は彼女の文言、物語、輝きをどこまでも理解し、捉えようとした。

セバスチャン・レゼー、2020年、京都
Living tools connected to dead tools
neurotic panic algorithmic mimic
in the black iron asylum of
NOWHERE

NOW HERE:
Humans are soul-linked and dance many languages in an ever floating world, all of them futuresgenerators, free and unlimited, equally bright and dark, saving and dangerous — art being the impossible momentum of their equinoxes.

I felt this was also the silent bet that Pei Ern made when she discovered Hachimonjiya and said:

“I SHALL DANCE HERE!”

I immediately trusted her ability to feel, read and embody the living souls of the place, their memories, histories and emotions.

And Kai Fusayoshi, writer, photographer and owner of Hachimonjiya, approved the project unhesitatingly.

As an artist, Pei Ern is a link between various territories of languages and life.

I tried to catch her talks and tales and illuminations the best way I understood them.

Sébastien Raizer, October 2020, Kyoto.

セバスチャン・レゼー
Sébastien Raizer

セバスチャン・レゼーは、パリのÉditions Gallimard社から書籍を出版しているフランス人作家。トランスリアリズム的な小説、禅と居合道についての読み物を書く。
初の写真展「INTERZONE (loading...)」をKG+ 2020において開催。京都在住。

リム・ペイエンはマレーシアのサバ州生まれ。シンガポールでダンスの学位を取得した後、国際的に活躍。コラボレーション多数。京都国際舞台芸術祭2018で「シンギュラリティ」に出演。京都在住。
Sébastien Raizer is a French writer published by les Éditions Gallimard, Paris. He is the author of transrealistic novels and narratives about zen and iaidō. His first photography exhibition, INTERZONE (loading...), took place during KG+ 2020. He lives in Kyoto.

Lim Pei Ern was born in Sabah. After she graduated with a bachelor in dance in Singapore, she started an international career. Among her numerous collaborations, she performed “Singularity” for Kyoto Experimental Festival 2018. She now lives in Kyoto.

2020.11.20ー2020.12.1

荒川幸祐|Kosuke Arakawa
「AFRO-BRAZIL」

京都で生まれ育ち、日本とブラジルを行き来することで自身のアイデンティティを培い、
生きる感覚を得ようとしてきた写真家、荒川幸祐。
ブラジルは先住民の地であり、そこに植民地支配者が強制的にアフリカの人々を奴隷労働者として連れてきた。
そしてその後も多くの国々から多様な移民が流入した。
様々な宗教、風習、人種が混在するブラジルという国。
大げさな日差しのように作られた新しいブラジルのイメージの陰には、荒川が身体と魂で感じる強いエネルギーが存在する。
荒川かカポエィラを通じて発見したそのエネルギーの根源は、ブラジルの中に深く混しじり込んだアフリカ性だった。
"Afro- アフリカの"自らのアイデンティティとして“Afro-Brazil”であることを選び取り、ブラジルの地で体現する彼ら。
人は伝えられた中から、自身のアイデンティティとして何を受け取り、それから何を伝えていくのか。
そして荒川自身はこれから何を伝えていくのか。
幾度も通った日本とブラジルの軌跡に自身を投影しつつ、この写真展は開催される。
Born and raised in Kyoto, photographer Kosuke Arakawa travels between Japan and Brazil to cultivate his own identity and get a sense of being alive.
Brazil is a land of indigenous people, and also one where African people were brought against their will to work as slaves.
Later, it became a country to which immigrants streamed from all over the world.
Brazil, a country of intermingling religions, customs, and people.
In the shadows of Brazil’s new identity, one brighter than sunlight, Arakawa felt a strong, vibrant energy with his body and soul.
The source of this energy, discovered by Arakawa through the art of capoeira, lies in the African soul that is deeply embedded into Brazil.
It is personified through the Afro-Brazilian people who actively include ‘Africa’ as part of their identity.
How do people create identities based on what has been communicated? What are they going to communicate themselves?
And what is Arakawa going to communicate himself?
This exhibition takes place as he continues to project himself onto the trajectory of his many journeys between Japan and Brazil.

荒川幸祐
Kosuke Arakawa

1981年京都生まれ。コマーシャルフォトグラファー/映像作家。カポエィラの準師範として京都市内で指導と活動を続ける。関西外国語大学スペイン語学科卒業。
2009年から2012年までサンパウロの写真事務所CIA DE FOTOで研鑽を重ね、同時にFAAP芸術大学で2013年まで写真学を学ぶ。2013年9月には東京駐日ブラジル大使館にて個展。その後京都市に拠点を移し、毎年ブラジルに戻り撮影などの活動を続ける。大学在学中 からアフロ・ブラジルの代表的な民衆文化であるカポエィラに魅せられ、幾度と渡伯を重ねることで造詣を深める。
Born in Kyoto in 1981. He graduated from the Spanish Language Department of Kansai Gaidai University. He currently works as a commercial photographer, filmmaker, and capoeira teacher based in Kyoto.

Arakawa studied photography at the Sao Paolo-based photography collective CIA DE FOTO between 2009 and 2012, and at the FAAP School of Arts until 2013. In September 2013, Arakawa held a photographic exhibition at the Embassy of Brazil in Tokyo, Japan. After relocating to Kyoto, Arakawa continued traveling to Brazil each year to engage in photography and other activities.
Arakawa began practicing capoeira, a part of Afro-Brazilian culture that has breached into mainstream culture, during his student days, and continues deepening his knowledge of the art on his many journeys to Brazil.

2020.10.23-11.17
9:00ー18:00
DELTA close:Wed.,Thu.

古賀絵里子|Eriko Koga
「BELL」

古来、最もよく知られた伝説のひとつに「安珍・清姫物語」がある。千年以上前に成立したこの物語は、僧侶・安珍と若い女性・清姫の悲恋の物語である。
安珍に恋をした清姫が裏切られ、逃げる安珍を追いかけるうちに、怒りで蛇身となった。道成寺の鐘の中に匿われた安珍を見つけた蛇は、鐘に巻きつき炎を吐いて鐘もろとも焼き尽くした。その両眼からは血の涙を流し、ついには入水したのだった。その後、住職に供養された二人は成仏し、天人になったと伝えられている。

この物語は、愛や裏切り、執着や悲しみ、また生や死が盛り込まれることで、どの時代の人々の心にも響くような、普遍的なメッセージを放っている。そのテーマに惹かれた私は、「安珍・清姫物語」とその後日談に着想を得て、2018年から2020年にかけて『BELL』を制作した。
女性が負わされた悲しみや秘められた強さを、現代を生きる私たちの中に掘り下げながら撮影を続けた。伝説と向き合いつつ、現在の自分の家族や生活を見つめることによって、解き放たれた自由な生き方を希求し、足元に芽吹く新たな可能性を見出した。

2020年8月 京都 妙満寺にて
古賀絵里子
The legend of Anchin and Kiyohime is one of the most widely known folktales in Japan since the ancient times. Originated over a thousand years ago, it is a tragic love story of a Buddhist monk, Anchin, and a young woman, Kiyohime. Kiyohime falls in love with Anchin, but he betrays and evades her in order to stick to his ascetic practice. Refusing to let go of him, Kiyohime chases after the fleeing monk, and transforms into a giant wrathful serpent along the way. When she finds Anchin hiding inside a large bell at Dojoji temple, she wraps her body around the bell, spits fire, and incinerates the bell along with Anchin. Devastated, Kiyohime throws herself into a river not long after her ophidian eyes streamed tears of blood. The priest of the temple where this tragedy took place later chanted the Lotus Sutra in prayer for the salvation of these two souls, and it is told that they are both in heaven.

Through the themes of love, betrayal, obsession and despair, on top of the primal concepts of life and death, the tale emanates a compelling, universal message that appeals to audiences in any period of time. I found this legend and its sequels to be deeply moving, inspiring me to create a body of work titled BELL from 2018 to 2020.
Photographing this series was a personal journey of delving deep into ourselves living our modern lives, in order to capture a present-day interpretation of the pain and sadness that women were forced to bear as well as their inner strengths. Through an internal dialogue with the legend and an open but intimate observation of my family and our life together, I found myself yearning for a free, unbridled way of life, and in the process caught sight of new possibilities sprouting at our feet.

Eriko Koga
Myomanji temple, Kyoto
August 2020

古賀絵里子
Eriko Koga

写真家。1980年福岡市生まれ。上智大学フランス文学科卒業、第20期写真ワークショップ・コルプス修了。
主な著書に、写真集『浅草善哉』(青幻舎 2011)、『一山』(赤々舎2015)、
『TRYADHVAN』(赤々舎 2016)などがある。
フォト・ドキュメンタリー「NIPPON」(2004)、さがみはら写真新人奨励賞(2012)、「KG + AWARD」グランプリ(2015)、Prix Virginia Jury’s Choice(2018)ほか多数受賞。
国内外のギャラリー・美術館・写真祭にて、個展やグループ展を開催。フランス国立図書館・清里フォトアートミュージアムに作品収蔵。京都市在住。

http://kogaeriko.com
Eriko Koga is a photographer who has shown in various solo and group exhibitions both at home and abroad.
Her works are featured in the permanent collections of the Kiyosato Museum of Photographic Arts and Bibliothèque nationale de France.
Photobooks by Koga include Asakusa Zenzai (Seigensha Art Publishing, 2011), Issan (AKAAKA Art Publishing, 2015) and Tryadhvan (AKAAKA Art Publishing, 2016).
Koga has received numerous awards, notably the Photo Documentary Nippon Award in 2004, the Photo City Sagamihara Festival’s Newcomer Award in 2012, the KG + Award in 2015 and the Prix Virginia’s Jury’s Choice prize in 2018.
Born in Fukuoka in 1980, Koga graduated from the Department of French Literature in Sophia University. In 2002, she attended the 20th annual photography workshop Corpus.Koga currently lives in Kyoto with her family.

http://kogaeriko.com

トークイベント&サイン会

日程:2020年10月25日 [日]  15:00ー
ゲスト:写真家・古賀絵里子 × 赤々舎代表・姫野希美
*DELTAにて、新刊写真集『BELL』(2020年11月1日初版発売)を先行販売いたします。

「BELL」 ブックサイニング

日程:10月30日(金)13:00ー16:00
ゲスト:写真家・古賀絵里子 × デザイナー・赤坂公三郎
-----
古賀絵里子の新刊写真集『BELL』ブックサイニングを開催いたします。当日、写真集を購入していただいた方に、その場でKOZABURO デザイナー 赤坂公三郎がデザインしたバンダナスカーフ(Bell限定色)を特典としてプレゼントいたします。その場でデザイナー自らがカットするパフォーマンスも!この機会にぜひお越しください。

「BELL」松田美緒 × 渡辺亮 LIVE

日程:10月30日(金)18:00-(L.O. 20:30)
入場料:¥1,500(1ドリンク込)
-----
古賀絵里子写真展「BELL」を記念し、スペシャルLIVEを開催します。「安珍・清姫物語」に着想を得て制作された『BELL』に因み、松田美緒が渡辺亮のパーカッションとともに即興演奏を披露します。

2020.9.19-10.18
KYOTOGRAPHIE 2020

オマー・ヴィクター・ディオプ
Omar Victor Diop
MASU MASU MASUGATA

セネガル出身のディオプは、昨年秋に1ヶ月弱京都に滞在し、鴨川デルタからほど近い「出町桝形商店街」で働く店主たちをポートレートに収めた。ポートレートを彼らが売る商品などと組み合わせたコラージュ作品を巨大プリントし、出町桝形商店街のアーケードにその作品を吊るす。そのほか、欧米で活躍したアフリカ出身の歴史上の偉人と、欧州リーグでプレーするアフリカ出身のサッカー選手、そして当時欧州で活動していた自らを重ねたセルフポートレート「Diaspora」シリーズも日本で初めて発表する。
Senegalese artist Omar Victor Diop spent a month last fall in Kyoto creating portraits of shop owners at Demachi Masugata Shopping Arcade near the Kamogawa confluence. Huge print collages from the portraits and objects from respective owners’ shops will be hung in the arcade. Diop will also present the Japan premiere of his “Diaspora” series, made up of self-portraits, in which he recreates important historical figures from the African disaporia who at the time gained fame in the West, these reconstructions are merged with African football/soccer players playing in European leagues.

オマー・ヴィクター・ディオプ
Omar Victor Diop

1980年セネガルの首都ダカール生まれ。活動当初より、オマーは現代のアフリカ社会とライフスタイルの多様性を本質的に捉える手段として、写真とデザインに特化していた。2011年にマリのバマコで開催されたバマコ写真ビエンナーレ(アフリカ)のパン・アフリカン展で取り上げられ、自身初のコンセプチュアルプロジェクトである「Fashion 2112, le Futur du Beau」の成功により、2012年、彼は写真に表現の主軸を置くようになった。現在ダカール在住。美術、ファッション写真、広告写真など幅広い分野で活動し、自らの写真を衣装デザイン、スタイリング、創造的な執筆などの他の芸術形態と融合する表現を得意とする。
Omar Victor Diop was born in Dakar in 1980. Since his early days, Diop developed an interest for Photography and Design, essentially as a means to capture the diversity of modern African societies and lifestyles.​The quick success of his first conceptual project Fashion 2112, le Futur du Beau which was featured at the Pan African Exhibition of the African Biennale of Photography of 2011 in Bamako (Rencontres de Bamako) encouraged him to end his career in Corporate Communications to dedicate his time to photography in 2012. Diop Lives in Dakar, his body of work includes Fine Arts and Fashion Photography as well as Advertising Photography. He enjoys mixing photography with other forms of art, such as costume design, styling, and creative writing. For KYOTOGRAPHIE 2020, Diop will display his large-format portraits of people working at the Demachi Masugata Shopping Arcade, as hanging banners, as well as a Diaspora series, a collection of self-portraits in the guise of prominent African expatriates hosted in a different venue.